Formado hace apenas cuatro años, el trío vocal y actoral marplatense Vox Popurrí se ha convertido en un fenómeno popular que ya alcanzó los 185.000 seguidores en Instagram y viene de realizar una intensa gira por el país y el extranjero. Integrado por las artistas Judith Morales, Tamara Prato y Camila Suero el grupo se encuentra en proceso de elaborar un nuevo espectáculo y despedir su anterior show, el galardonado Fanfarria, al latido de un compás, que tendrá últimas funciones en la ciudad los próximos viernes 25 de julio y 1 de agosto desde las 21:00 en la Sala Payró del Teatro Auditorium (Boulevard Marítimo 2280). Para las artistas, según indicó Suero en diálogo con QZ Noticias, es una instancia de mucha felicidad ya que se trata de una propuesta que “fue parte del nacimiento de esta formación”.

Según explicó la artista, Fanfarria nació como una exploración humorística basada en la amistad de las tres protagonistas, por lo que ante el cierre de este ciclo transitan por “muchas sensaciones encontradas: un poco de nostalgia y también ganas de hacerlo porque ahora estamos trabajando en un material nuevo”. Asimismo, celebró que el adiós definitivo coincida con las vacaciones de invierno en Mar del Plata, su ciudad natal.

El grupo surgió en el 2022 con una propuesta estrictamente musical basada en la reversión de canciones conocidas. Sin embargo, según relató Suero ese punto de partida evolucionó rápidamente al incorporar “movimientos nuevos del teatro, de la danza, del humor”. Para las integrantes, quienes poseen una formación puramente musical, fue una grata sorpresa “notar lo hermoso que es cuando un proyecto empieza a tomar una forma que uno no esperaba”.

La artista, quien además de la voz porta el piano y arreglos vocales, este crecimiento fue posible gracias al trabajo colectivo y al aporte de colaboradores como Ignacio Corva, Agustina Suero y el director Mariano Magnífico, quienes potenciaron la labor de las integrantes del grupo. Tras definir el proceso como algo “realmente sorpresivo” que las llena de alegría, aseguró que el proyecto sigue en constante evolución: “Seguimos trabajando, lejos de pensar que ya tenemos una identidad formada, seguimos laburando para tratar de encontrarla”.

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Ustedes arrancaron con lo musical, ¿cómo desembocaron en lo humorístico?-Surgió un poco naturalmente porque nosotras somos amigas de la música, de la vida, y como toda amistad, por ahí te encontrás a ensayar y surgen un montón de otras situaciones, charlas, complicidades y chistes que eran parte de nuestro código de amistad. El juego fue: “¿qué pasa si ponemos algo de esto en la música?”. Ahí empezamos a explorarlo, al principio con un poco de timidez y después con la incorporación del resto del equipo, al notar que la gente lo recibía muy bien. Cuando hacíamos algunas pruebas, notábamos que la gente se divertía mucho, que pasaba un momento lindo y nos decía: “¡Qué bueno, me olvidé de los problemas que tenía!”. Ese tipo de comentarios te impulsan a decir: “Por ahí este es el camino”. Empezó como algo muy natural y después le empezamos a poner una cabeza un poco más premeditada; empezar a pensar cómo se arma un chiste desde la música, porque nuestra identidad creemos que sigue teniendo a la música como protagonista de todo esto. Lejos estamos de considerarnos comediantes o cómicas, pero sí creemos que a partir de la música se puede generar el humor con la palabra y con el discurso musical mismo. Fuimos explorándolo y nos alegra saber que la gente lo recibe bien.

¿Cómo es el proceso creativo? ¿Los roles se fueron dando de manera intuitiva a medida que avanzaron con el proyecto o ya de entrada sabían qué cuerda tocaba cada una para trabajar en equipo?-Un poco se fueron definiendo y siguen en transformación, porque también vamos aprendiendo a trabajar a la par que desarrollamos el proyecto. Pero naturalmente se da que, por ejemplo, en el caso de la composición y los arreglos estamos Ignacio Corva y yo; ahí hacemos una dupla en donde proponemos la parte musical y después la trabajamos entre todos. Hay un espíritu de trabajo colaborativo que vamos entrenando cada vez más y que es súper nutritivo. Somos convencidos de que lo que se genera cuando todos aportamos es mucho más rico que lo que puede generar una persona sola. Sobre la base de eso, y del ejercicio de abrir el material y que todos vayamos aportando, sacamos el ego de lado y podemos pensar en el material y decir: “Bueno, ¿qué es lo que le viene bien a esto?”. Por más que yo tenga una idea que quiera hacer, si no sirve y todo el mundo dice que no, vamos con la intuición y el aporte de todos. En un proyecto artístico hay tantos frentes que atacar; en algunos tenemos más conocimientos y en otros vamos aprendiendo.

Actualmente la Vox Popurrí están trabajando “desde cero en una idea nueva” bajo una dinámica mucho más colectiva, donde la música será la protagonista absoluta. En esta oportunidad, el objetivo principal es trasladar al escenario el éxito que consiguieron en las plataformas digitales, donde las siguen cientos de miles. La idea es llevar la inmediatez de esos contenidos al escenario mediante adaptaciones, más desarrollo y más contenido.

Suero adelantó que el espectáculo propondrá “mucho juego con la música clásica, la música académica”, motivadas por el entusiasmo del público al ver convivir géneros tan disímiles como la cumbia, el rock o el candombe en una misma propuesta, y por la necesidad de derribar las barreras sociales y los imaginarios que separan estos estilos. Aunque el show se encuentra “muy en la cocina, muy en la producción, todavía lejos de estrenar”, el equipo mantiene la expectativa de lanzarlo en el verano con la firme convicción de que “va a salir algo superador de lo que veníamos haciendo”.

Vos estás con los arreglos vocales. Obviamente tiene que sonar bien el grupo, pero aparte tiene que ser gracioso. ¿Cuál es el desafío ahí?-Son varias fases. Por ahí nosotros nos sentimos más cómodas con lo musical; al ser el lenguaje artístico que más manejamos, es lo que primero podemos resolver. El objetivo a veces es resolver eso como “fase uno” para que no genere una traba después al trabajar la otra capa, que es lograr el humor a partir de la música. Es re desafiante, porque por ahí uno pone el foco en lo humorístico y perdés un poco de lo musical, y viceversa. Si estás muy sobre lo técnico y lo musical, por ahí no te das lugar a explorar la corporalidad, el timing que necesita el humor. Es re complejo hacer humor, cada vez nos damos cuenta más de eso y lo tratamos con mucho respeto. Existe el imaginario de que actuar desde el drama es más difícil que el humor, o que al humor se lo subestima, pero es súper complejo. Creo que lo que nos sirve, al ser músicas, es que la cuestión del ritmo y del timing que tiene el humor es algo que comprendemos desde lo musical, entonces nos acercamos más fácilmente. Pero es un equilibrio, pasás en la cuerda floja todo el tiempo entre una cuerda y la otra.

Exista la posibilidad de ver otros grupos que hagan lo mismo. ¿Se pueden ver y analizar los mecanismos que utilizan?-Sí, claro que se puede analizar. ¿Viste que siempre dicen que cuando tomás cosas de un solo artista o de un solo grupo es plagio, pero cuando tomás cosas de muchos es influencia? (risas). Tratamos de hacer eso porque es muy nutritivo ver qué hacen otros. Obviamente no con el objetivo de robar, sino con el de entender cómo funciona. Por supuesto, Les Luthiers son palabras súper mayores con los que jamás podríamos encontrar un tipo de comparación de nuestra parte, porque les tenemos una admiración tan profunda. Además de haber sido un grupo único en la historia del humor a nivel internacional, se paraban desde un lugar de expertise musical que admiramos tanto. Lograron un nivel musical tan alto y, a la vez, un nivel de humor y de escritura tan elevado, es una combinación que creo que no vamos a volver a ver. Pero sí lo analizamos mucho. A mí me gusta mucho Monty Python, ese tipo de humor. Y en Argentina también hubo mucho: Cha Cha Cha, Gambas al ajillo, todo ese tipo de humor de Tortonese... ese humor más argentino que por ahí no tenía tanta parte musical pero coqueteaba con la música todo el tiempo. Nos gusta verlo, y después uno va en el otro carril de hacer y encontrarte con cuál es tu identidad en medio de tantas influencias.

Mencionabas Cha Cha Cha y recordaba esas parodias musicales a la bossa nova o al folklore que hacía Alfredo Casero... eran fenomenales.-Eran de una irreverencia tremenda. Por ahí el ojo no estaba tan puesto en la calidad musical, pero sí había una cosa desfachatada de jugar con los estilos, de no ser “respetuosos” del lenguaje en el mejor de los sentidos: buscarle el límite a las cosas. Por ahí nuestro tipo de humor es más ATP, más tranqui. No jugamos tanto con los límites de la manera de ellos o de la manera de otro tipo de humor que se consume ahora. La gente nos lo marca como que tenemos un humor un poco más limpio, en el sentido de que no usamos lenguajes tan subidos de tono ni nada por el estilo. La verdad es porque se dio así, no porque lo prefiramos o porque estemos en contra de ese otro tipo de humor (está todo bien y lo consumimos también). Se fue dando así una cosa un poco más ATP y por ahora venimos en ese camino. Por lo menos Fanfarria, que es la obra que estamos haciendo ahora y de la que nos despedimos, tuvo mucho ese tinte. Mucha gente lo agradeció cuando venía a ver la obra; lo destacaban como algo que por ahí, por H o por B, no se ve tanto hoy. Siempre hay un público para cada cosa, así que está bueno.

La obra El rectificador de cigüeñales, escrita y dirigida por Federico Fanchini, se presentará este domingo 12 a las 18:00 en la Sala Nachman del Teatro Auditorium (Boulevard Marítimo 2280). Concebida en una sola tirada, sin correcciones, propone un viaje teatral hacia las zonas más crudas y contradictorias de la condición humana. Con una extenso recorrido de ocho años -pandemia por medio- hasta finalmente pudo llegar a los escenarios, se trata de una propuesta que genera desafíos ya que para su autor “al público teatral de hoy ya no le gusta ese rol de espectador muerto y estático”.

Roberto De Large, Mery Waller, Juaco Paris y Edgardo Colella son quienes finalmente le dan vida a los personajes de El rectificador de cigüeñales, luego de otros dos elencos que por diversos motivos no pudieron concretarla. La historia se centra en una familia atravesada por la ausencia del padre y por tensiones que emergen ante la decisión de madre de rehacer su vida amorosa, y es para Franchini su “obra imposible”. En diálogo con QZ Noticias el director y dramaturgo explicó: “Es mi obra número 12 y fue la que más me costó llevar a escena. Antes de la pandemia teníamos un elenco y una de las actrices se enfermó; después nos agarró el confinamiento con otro elenco y se desintegró. Este tercer elenco fue una coincidencia genial, se dio un ecosistema casi familiar con los actores. Ensayamos un año entero y pudimos estrenar, pero es un texto que estuvo esperando ocho años”.

Además de la alegría de poder estrenar, algo que ocurrió durante la pasada temporada, ahora se da para Fanchini algo ansiado, como es la presentación de su obra en el Teatro Auditorium. “Para nosotros, los teatristas independientes, llegar al Auditorium siempre genera una gran ilusión y es algo muy disfrutable. Si bien disfrutamos muchísimo de hacer funciones en los centros culturales -vengo laburando ahí hace 15 años-, siempre es lindo pisar otras ligas y tener acceso a estos recintos. Para nosotros el Auditorium es toda una ceremonia, es el lugar de Mar del Plata al que hay que llegar”.

Llama la atención el título, “El rectificador de cigüeñales”, por esa impronta de taller mecánico. ¿Cómo se vincula con los temas que toca la obra? -Siempre le pongo mucho énfasis a los títulos y a los juegos de palabras. Este nace de una anécdota de un amigo que se fue a España y cuando le pregunté de qué trabajaba me dijo: “Soy rectificador de cigüeñales”. Me encantó cómo sonaba y me quedó grabado en la cabeza. Después, cuando empecé a escribir la obra, la laboré por el carril de lo vincular y lo familiar: el conflicto de una madre que, ante la ausencia del padre, decide rehacer su vida amorosa. La obra cuenta el momento exacto en que ella va a presentarles a sus dos hijos a este futuro novio, y ahí estallan los conflictos.

¿Y dónde entra la figura de lo mecánico en esa dinámica familiar? -Uno de los hijos, Fabio, es un mecánico rústico. Busqué desde la dramaturgia que los personajes contrastaran mucho. Toda esa rusticidad y brutalidad del taller mecánico choca con su hermano, Luchito, que es un personaje muy sensible. El estaba destinado a ser un niño prodigio, pero tuvo un accidente misterioso, quedó en silla de ruedas y con un retraso madurativo. Sin embargo, sigue teniendo reflexiones psicológicas y sociológicas muy fuertes mezcladas con cosas muy tontas. Esa fusión da mucha ternura y Roberto De Large hace un laburo enorme. El juego de la obra es ver cómo esa atmósfera rústica de taller se mezcla con la falta de afectos que sufren los personajes.

A veces, desde el arte, los mundos rústicos se miran con cierta distancia. Acá parece haber una intención de cruzar ambos mundos. -Tal cual. El personaje de Fabio tiene monólogos muy interesantes desde su propia rusticidad; muestra una parte humana casi incomprendida, lanzando reflexiones desde el sentirse no entendido por la sociedad. Me pareció que reflejar eso le aportaba una complejidad muy válida a la obra.

¿Cómo se trabaja para que un personaje rústico, como el mecánico, no caiga en el cliché o el estereotipo? -Eso lo laburo muchísimo. Trato de que mis personajes -que son como mis monstruitos o mis hijos- no caigan en la obviedad. A veces un actor viene a la primera lectura, le decís que es un mecánico y enseguida te lo compone hablando torcido o fumando. Yo busco romper eso. Fabio es un tipo grandote, rústico, pero tiene una sensibilidad enorme en la voz y en su forma de contar las cosas en los monólogos. Eso se cuida desde la dramaturgia y también basándose en la vida real. Fabio está lejanamente inspirado en el padre de un amigo, que no era mecánico sino veterinario, pero tenía esa misma veta impulsiva y ciertas cositas al hablar. Agarrarte de la gente real te ayuda a no inventar un estereotipo.

Se menciona que la obra se escribió “de una sola tirada y sin correcciones”. ¿Cómo fue ese proceso? -Fue todo un desafío personal. Yo me considero más dramaturgo que director; escribo desde los 11 años, primero literatura y después teatro. Siempre me impongo un desafío en cada obra nueva, y en el caso de El rectificador... quise ir un paso más allá: escribir sin corrección. Me pregunté qué pasaría si ponía arriba del escenario una “idea madre”, lo primero que te viene a la cabeza, sin pulir ni transformar el texto después. Por supuesto que hay un hilo conductor y una hipótesis argumental, pero se escribió de corrido. Lo que hice después fue armar las partes como un gran rompecabezas, pero el texto no tiene correcciones. Por eso para el espectador es un viaje, porque de repente saltan cosas de la nada.

El desafío de la obra, en esa construcción que le dio Fanchini desde la dramaturga exige un espectador activo, que decodifique los elementos que se van dispersando. “Mi mayor temor era que la gente no entendiera nada -confió el autor-. El desafío era sostenerlo desde la actuación y la credibilidad de los actores. Por suerte nos sorprendimos muchísimo por la excelente respuesta que tuvimos durante toda la temporada. Creo que al público teatral de hoy ya no le gusta ese rol de espectador muerto y estático; le gusta lo participativo, sentirse parte del círculo que completa la obra. Generarle desafíos al espectador es el teatro del futuro”.

Mencionás al espectador actual y el cine hoy vive una crisis global para llevar público a las salas. ¿Pensás que la pandemia modificó definitivamente este vínculo con el público? -La pandemia nos modificó a todos, salimos distintos de esa tormenta. Aunque esta obra se escribió antes de la pandemia -la empecé hace casi diez años-, mucha gente me dice que es actual, que resuena mucho con la actualidad. Yo soy muy cinéfilo, de chico quería ser actor de cine y esa resaca cinematográfica está en mis obras. Creo que el cine está sufriendo esa readaptación. ¿Cómo hacés hoy para atrapar a alguien durante dos horas? Tenés que generarle desafíos, no hay que subestimar al espectador. El público hoy entiende todo, incluso cosas que ni vos mismo pensaste que estabas poniendo ahí. Venir y que te digan “me encantó lo que quisiste decir en tal escena” desde una perspectiva que no era la tuya... ese juego es hermoso.

La obra viene cosechando muy buenas críticas, premios y nominaciones. ¿Qué lugar le das a esos reconocimientos? -Me quedo mucho con la devolución de la gente. De esta obra ha salido público llorando o muy impactado porque se vio reflejado, o porque le hizo acordar a un amigo, a un pariente o a una situación propia. Con respecto a los premios, sirven principalmente para visibilizar. Si no, muchas veces te quedás en los sótanos, en el circuito subterráneo. Mucha gente va a ir este domingo porque la obra hizo una buena temporada, tuvo buenas críticas y ganó premios. Los laureles te permiten que te miren de otra forma, te abren las puertas de otros recintos y, en definitiva, son los que hoy nos permiten llegar al escenario del Auditorium.

Este domingo 12 a las 18:00 en la Sala Nachman (Boulevard Marítimo 2280) se presentará la obra El rectificador de cigüeñales - Metástasis entre el universo de los vivos y los muertos, definida por su equipo como una pieza “imposible” e “inclasificable” que se adentra en un drama familiar atravesado por tensiones, secretos y ausencias.

La historia transcurre en un ambiente claroscuro donde una familia en conflicto se enfrenta a los enigmas de la vida cotidiana. Tras una prolongada ausencia paternal, Madre decide rehacer su vida amorosa y presentar a su nuevo compañero. Sus hijos, Favio, un mecánico rústico de corazón noble y brutalidad incontenible, y Lucho, un ex niño prodigio devenido en inválido con retraso madurativo tras un misterioso accidente, deberán afrontar una encrucijada que transformará sus vidas para siempre.

La obra fue escrita “de una sola tirada, sin correcciones”, concebida como una idea madre sobre el escenario y como un viaje hacia las miserias humanas.

El rectificador de cigüeñales cuenta con cuatro nominaciones a los premios Despertar por el Arte: Mejor Drama, Mejor Dirección, Mejor Actor (Roberto De Large) y Mejor Autor. En escena actúan Roberto De Large, Mery Waller, Juaco Paris y Edgardo Colella, bajo la dramaturgia y dirección de Federico Fanchini.

El Teatro Auditorium se prepara para recibir una nueva edición de A desaburrir el invierno, el tradicional ciclo infantil que este año volverá con entrada gratuita, talleres, actividades lúdicas, espectáculos y cine para toda la familia. La propuesta se desarrollará del 21 de julio al 1 de agosto, en el marco del programa Vacaciones Divertidas del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, tanto en el Auditorium (Boulevard Marítimo 2280) como en la sala Jorge Laureti (Local 9, Centro Cultural de Puerto).

La edición 2026 contará con actividades en las salas Astor Piazzolla, Gregorio Nachman, espacios del foyer y la Sala Laureti. La producción integral está a cargo del Teatro Auditorium y propone una experiencia renovada bajo el eje temático La Kermesse, que busca recuperar la magia de los juegos tradicionales, el encuentro familiar y el espíritu festivo de las ferias populares.

Los talleres serán protagonistas de cada jornada. Antes de cada función, entre 14:30 y 16:00, se ofrecerán propuestas divididas por edades, entre ellas: taller de artes plásticas; espacio para chicos; maquillaje artístico; taller de freestyle; y taller de cómic y dibujo.

La programación incluirá espectáculos de teatro, música y circo, además de proyecciones de cine nacional infantil en el marco de +Cine nacional infantil, reforzando el acceso a contenidos culturales de calidad durante el receso invernal.

A desaburrir el invierno 2026 busca ofrecer una alternativa sociocultural y recreativa que promueva la participación activa de niños, jóvenes y adultos, fortaleciendo el acceso a expresiones artísticas y generando espacios de integración y disfrute. Las entradas serán gratuitas y podrán retirarse el mismo día de la función, a partir de las 10:00, en la boletería del Teatro Auditorium..

En el marco del programa pedagógico El teatro y la escuela, el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires llevará adelante una doble jornada cultural y educativa coordinada por el escritor Martín Kohan el próximo martes 30 a partir de las 09:30 en la Sala Piazzolla (Boulevard Marítimo Patricio Peralta Ramos 2280).

La propuesta es libre y gratuita, aunque requiere inscripción previa por correo electrónico al mail auditoriumextension@gmail.com, y está dirigida a estudiantes de nivel secundario superior, alumnos de carreras terciarias y organizaciones de la comunidad civil.

La actividad comenzará por la mañana con una disertación a cargo de Kohan y de la profesora en Letras Luciana Baldini, un espacio pensado para reflexionar sobre los vínculos entre literatura, memoria colectiva y la historia reciente del país. La charla busca promover una lectura crítica del pasado a partir de los cruces entre narración, archivo y experiencia social.

Por la tarde, a las 16:00, se proyectará la película LS83, una obra audiovisual que combina recuerdos de la infancia de Kohan con material inédito recuperado del archivo histórico del noticiero de Canal 9, correspondiente al período 1973-1980. El film reconstruye una etapa clave del devenir sociopolítico argentino y explora la relación entre la memoria subjetiva y el discurso público emitido por los medios de comunicación de la época.

Tras la proyección, se realizará un encuentro de intercambio con los realizadores Hernán Schwartz y el propio Martín Kohan, quienes compartirán detalles del proceso de investigación, la recuperación de los soportes originales y las decisiones técnicas y narrativas que dieron forma al largometraje.

La Dirección del Teatro Auditorium informó que las funciones previstas en las salas Piazzolla y Nachman quedaron suspendidas hasta el domingo, como consecuencia de medidas gremiales que afectan la actividad del complejo cultural.

La decisión impacta en la programación del fin de semana largo y obliga a reubicar o cancelar distintas propuestas. Entre los espectáculos suspendidos figuran el Ciclo + Cine Nacional con la proyección de El Minella, que estaba previsto ayer; las funciones de Empieza con D, siete letras, programadas para hoy y mañana; el Ciclo Cine Arte con la proyección de Calle Málaga, que iba a proyectarse el domingo; la presentación de Los locos del radioteatro y el poemario Pequeña dosis, ambos en la Sala Nachman.

En el caso de Empieza con D…, dirigida por Juan José Campanella, la producción confirmó que la obra se presentará igualmente en el Teatro Radio City, en los mismos días y horarios, y que las entradas adquiridas conservarán validez para esa sala.

Pese al paro, algunas actividades se mantienen en pie. El Auditorium confirmó que el conversatorio con Pablo Llonto, titulado 40 años del Juicio a las Juntas: memoria, verdad y el rol de los medios a 50 años del Golpe, se realizará mañana a las 14:00 en el Café Teatral Emilio Alfaro, con entrada libre y gratuita. También continúan las funciones programadas en la Sala Payró: El Conventillo de la Paloma, mañana a las 20:00, y el concierto del Ensamble Sinfónico Andante junto al Coro Arco Iris, el domingo a las 20:00.

La obra “Empieza con D, siete letras”, dirigida por Juan José Campanella y protagonizada por Eduardo Blanco, Victoria Almeida y Gastón Cocchiarale, llegará a Mar del Plata en dos únicas funciones: este viernes 22 a las 20:30 y el sábado 23 a las 21:30 en la Sala Piazzolla (Boulevard Marítimo 2280).

La comedia se desarrolla en la sala de espera de un consultorio dental, donde se encuentran Miranda Delgado, una profesora de yoga en sus 30, carismática y verborrágica, y Luis Cavalli, un médico retirado en sus 60, viudo y todavía intentando adaptarse a un mundo que le resulta nuevo.

Entre ironías, risas y momentos de profunda humanidad, ambos iniciarán un vínculo que se convierte en una montaña rusa emocional donde el humor y el amor se entrelazan.

La obra expone la vulnerabilidad de dos personas que, pese a los golpes de la vida, todavía creen en la posibilidad de empezar de nuevo. Con sello argentino, combina humor cotidiano, ternura y una mirada sensible sobre las segundas oportunidades, incluso en escenarios tan inesperados como la sala de espera de un dentista.

Se trata de la primera obra original de Campanella desde “El cuento de las comadrejas”, y propone una experiencia para reír, emocionarse y reflexionar sobre lo que significa reinventarse en cualquier etapa de la vida.

El sábado 9 de mayo de 2026, el artista plástico Sergio Ochoa inaugura FÉMINA, una retrospectiva que recorre su producción pictórica desde 2010 hasta la actualidad, en el Foyer del Teatro Auditorium, en Mar del Plata.La exhibición propone un recorrido por distintas etapas de su obra, donde la figura femenina se consolida como eje conceptual y expresivo. A través de la pintura, Ochoa construye un lenguaje visual en el que el cuerpo, la emoción y la experiencia se entrelazan, dando lugar a escenas de fuerte intensidad simbólica.Las obras despliegan figuras atravesadas por tensiones internas, escenarios urbanos y elementos narrativos que habilitan múltiples lecturas. Lejos de una representación literal, FÉMINA construye un campo de exploración donde la figura central funciona como eje de sentido. Al respecto, el artista señala: “En FÉMINA no busco representar a la mujer, sinoexplorar lo femenino como un territorio emocional, un espacio donde conviven la fragilidad, la tensión, el deseo y la transformación”.La muestra se presenta en un momento significativo en el recorrido del artista, marcado por el fallecimiento en 2025 de su maestro, Martín Riwnyi, figura clave en la construcción de su lenguaje pictórico. Su legado se proyecta en una obra que hoy profundiza esa herencia desde una voz propia.Con una trayectoria que articula su experiencia como productor y su desarrollo como artista visual, Ochoa despliega en FÉMINA una mirada madura, donde la pintura funciona como lenguaje y como registro de una búsqueda sostenida en el tiempo.La exposición podrá visitarse a partir del 9 de mayo al 7 de junio, en el Foyer del Teatro Auditorium de Mar del Plata.

Acerca de Sergio OchoaSergio Ochoa (Buenos Aires, 1963) es un artista plástico figurativo contemporáneo cuya obra explora la figura humana, con especial énfasis en lo femenino, como territorio simbólico de tensión, vínculo y transformación.

Con una trayectoria consolidada en publicidad, comunicación y marketing, inició su camino en la pintura en 1997. Desde entonces desarrolló una práctica sostenida que dialoga con su recorrido como productor y creador de proyectos en distintos ámbitos: una mirada integral donde la creatividad, la estética y la capacidad de materialización conviven de manera orgánica, y que incluye producciones artísticas propias para grandes eventos.

Su formación en pintura estuvo acompañada por el artista Martín Riwnyi, su gran maestro, cuya influencia resultó clave en el desarrollo de su mirada. Su obra ha sido exhibida en el Centro Cultural Borges, Galería Vida y Arte, el Museo Ex Casa de la Moneda y en muestras colectivas junto a artistas de la talla de Riwnyi y Celma, además de exposiciones internacionales en Panamá y Ciudad de México. A lo largo de su trayectoria ha comercializado su obra dentro y fuera de la Argentina. El fallecimiento de Riwnyi en 2025 marca un punto de inflexión en su recorrido, reforzando la continuidad de una búsqueda que hoy encuentra en Ochoa una expresión propia y consolidada.A través de un cruce de lenguajes, lo figurativo, lo narrativo y lo conceptual, Ochoa construye escenas en espacios ambiguos donde la realidad se reconfigura desde la emoción, la memoria y lo inconsciente. Su dominio del color, la espacialidad y la materia da lugar a una pintura donde lo figurativo se expande hacia lo expresivo, generando composiciones de intensa carga visual y profundidad simbólica.

Su práctica se sostiene en una búsqueda rigurosa, donde cada obra responde a una necesidad interna más que a una lógica de exhibición. Más que representar, Sergio Ochoa pinta desde la experiencia. Su obra no busca explicar, sino dejar una huella.